Começando dois novos projetos em Dança - Educação

Este ano tentarei a aventura de desenvolver dois projetos de Dança - Educação ao mesmo tempo, em duas escolas diferentes: o Colégio Estadual Cardoso Fontes, e o CIEP Brizolão 137 Cecília Meireles (os dois localizados na cidade de Petrópolis, região serrana do Rio de Janeiro).
Embora as duas escolas pertençam a Secretaria Estadual de Educação, e estejam na mesma cidade, possuem cada uma particularidades próprias, o que há de comum nas duas é o alto valor humano dos alunos, uma riqueza única em cada individualidade.
Propus para os alunos e convidados o compartilhamento neste espaço do processo de criação, com o relato do percurso de construção e desconstrução; das dúvidas e certezas; das angústias e alegrias; todo o caminho caótico que faz parte de uma construção artística.
No Cardoso Fontes o projeto terá como tema o Meio Ambiente; e no Cecília Meireles o tema desenvolvido será a Cidadania. Na página Dança - Educação será descrito o dia-a-dia dos ensaios, fotos, pensamentos, propostas de laboratórios e todo material que possa auxiliar na compreensão e elaboração dos trabalhos.

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A pesquisa em Dança sofre com a escassa divulgação em nosso país (embora esse painel tenha melhorado nos últimos cinco anos). Poucas editoras mantém publicações periódicas, assim como existem poucos locais onde se possa adquirir materiais impressos, vídeos; e compartilhar pesquisas e idéias fora dos festivais que acontecem pelo país.
Nesse árido cenário um grupo de pesquisadores do Rio de Janeiro decidiu investir na divulgação de pesquisas, idéias e reflexões de artistas independentes e circuitos diversos, do acadêmico aos alternativos passando pelos festivais já consolidados. Ao navegar pelo blog em sua diversidade, é curioso perceber como se pensa e se produz dança no Brasil. Para acessar o blog Clique aqui

Nijinsky

O Início do meu caminho.... Nijinsky

Nijinsky - 1912

Breve histórico da trajetória de Nijinsky

Nijinsky, bailarino e coreógrafo do início do Século XX teve sua formação na Escola Imperial de Dança onde já se destacava como bailarino, mas foi nos Ballets Russos de Diaghilev que se tornou um mito “o deus da dança, o Vestris do norte”, primeiramente por sua habilidade técnica e a seguir por suas criações. Vindo de uma formação acadêmica na tradicional Escola Imperial de Dança, contrariou sua linguagem corporal coreografando de forma audaciosa, transformando a concepção de dança e de movimento.

Sua inovação foi motivo de muita discussão na época, e ainda hoje causa curiosidade não só no cenário da dança contemporânea, mas também no teatro com sucessivas releituras de suas obras, e criações de outras com objetivo de tentar compreender seu pensamento criativo.

Nijinsky teve influências e contatos com concepções diferentes de arte e de vida na convivência com Rodin, Stravinsky, Ravel e Bakst. A estas se somaram outras influências como o ambiente da época e autores pelos quais se interessava como Tolstoi, Dostoievsky, Tchekov e Nietzche.

Os Ballets Russos de Diaghilev, que tinha Nijinsky como sua estrela maior, representavam a modernidade, foi a primeira vez que artistas de várias áreas (plásticas, música, etc) criavam para uma companhia de dança levando esta a um relacionamento com outras artes outrora inexistente.

“A meta de seu grandioso balé era produzir uma síntese – de todas as artes, de um legado da história e uma visão do futuro, do orientalismo e ocidentalismo, do moderno e do feudal, de aristocratas e camponeses [...]” (EKSTEINS, 1992).

“[...] a beleza plástica de seus espetáculos, seu apelo à libretistas e artistas da mais alta qualidade, o valor de seu grupo e, em particular, de seus solistas, provocaram o choque da surpresa [...]” (BOURCIER, 1987).

Esta integração entre as artes, caracterizou o fim do Século XIX como a busca da obra de arte total. Diaghilev era um mecenas e sempre estava rodeado de artistas de vanguarda que atuavam junto a companhia. Nijinsky, por ser o destaque da companhia, e por seu relacionamento com Diaghilev, estava sempre presente aos encontros e jantares onde se discutiam os resultados e rumos dos trabalhos vivenciando esta atmosfera de modernidade.

No início de sua carreira, Nijinsky esteve ligado a Fokine, professor e coreógafo da Escola Imperial, que foi também coreógrafo de Diaghilev. Fokine proporcionou a Nijinsky “[...] dançar com toda a sua alma, usando cada parte do seu corpo [...]” (NIJINSKY, 1948) e essa abertura pode ter despertado uma conscientização das potencialidades corporais e da rigidez da técnica clássica. “Fokine havia liderado o abandono das convenções do balé clássico, ao cortar passos brilhantes e virtuosismos e enfatizar a interpretação da música.” (EKSTEINS, 1992). Segundo Fokine: “A dança não precisa ser um divertissement. Não deve degenerar em simples ginástica. Deve de fato ser o mundo plástico. A dança deve expressar “[...] toda a época a que o tema do balé pertence.” (BEAUMONT, 1935 apud EKSTEINS, 1992).

Nijinsky em Petrouschka - 1911

Isadora Duncan foi outro nome importante da dança no início do Século XX por sua tentativa de liberação do corpo da rigidez da técnica clássica. Embora tenha sido menos revolucionária do que pretendia, a importância de Isadora cabe a difusão da rítmica de Dalcroze e de uma nova concepção de corpo. Nijinsky não teve influência direta de Isadora, já que ele não aprovava a improvisação que fazia parte da sua dança, e por ele acreditar ser muito importante para a formação de um bailarino possuir uma Escola, o que ela negou. Para Nijinsky, Isadora Duncan e Michel Fokine tinham fracassado na tentativa de evoluir a dança, dando importância à graça do movimento e a utilização dos movimentos circulares. (NIJINSKY, 1948)

“Foi Nijinsky quem realizou, como disse o Times de Londres, a real revolução da dança, contrariando as linhas circulares do balé clássico, tomava cuidados especiais para tornar as pontas de seus cotovelos não apenas perceptíveis mas inevitáveis.” (EKSTEINS, 1992)

Em sua obra coreográfica, utilizou movimentos, formas, ritmos e concepções diferentes da escola clássica (que foi sua formação) e inovadores para a época em que foram apresentadas. Segundo Marie Rambert, discípula de Dalcroze, “ele estava 50 anos à frente do seu tempo.” (EKSTEINS, 1992). Nijinsky descartou a graça e a beleza, destacando que todos os passos de dança podiam ser executados fora da Escola Clássica, desde que sob uma técnica definida.

“Todo movimento é possível desde que se harmonize com a sua concepção.” (NIJINSKY, 1948)

No breve período que atuou como coreógrafo (1911 à 1915) criou 4 obras: L’aprés midi dun faune, Jeux, Le Sacre du Printemps e Tyll Eulenspiegel; sendo a última menos conhecida por ter sido apresentada no período da 1^a Guerra Mundial numa temporada aos EUA com os Ballets Russes. Há um registro de Romola Nijinsky sobre uma obra que Nijinsky criou sobre a Guerra no tempo em que viviam na Suíça e que foi apresentada uma única vez para um público restrito (NIJINSKY, 1948).

Nijinsky em L'aprés midi d'un Faune - 1912

Nijinsky em Jeux - 1913

No panorama histórico, é importante ressaltar que durante seu período criativo, Nijinsky vivenciou os acontecimentos e a tensão política que se instauraram na Europa e precederam a 1^a Guerra Mundial.

Havia uma rivalidade entre os franceses e alemães, pois Bismarck, através de uma intriga, provocou uma guerra entre esses dois países culminando na derrota da França e na perda para os alemães da Alsácia e Lorena. Assim, no período anterior ao início do Século XX, qualquer reprodução da música de Wagner, causava revolta e protesto na França. A Prússia e a Alemanha eram vistas como “[...] a encarnação do mal, a antítese da França [...]” (EKSTEINS, 1992), mas uma relação sádica se estabeleceu e a Prússia e a Alemanha tornaram-se fonte de interesse. “[...] perto do final do Século XIX, a Alemanha tinha se imposto à consciência francesa de forma impressionante, nos círculos intelectuais e políticos, no comércio e na indústria e entre os militares.” (EKSTEINS, 1992)

No panorama artístico, aconteciam também grandes mudanças, na música “[...] as composições expressionistas de Debussy marcaram um movimento numa direção mais experimental, com suas novas estruturas harmônicas e seu interesse pelos sons em si, sem referência à melodia. A preocupação de Debussy era mais com sentimentos delicados, com momentos fugidios do que com as esmagadoras estruturas harmônicas da escola alemã da época. Emoções fugazes, fragmentos de sensações, as bolhas de champagne, eram estes os atributos dos impressionistas, que marcaram uma fase importante no colapso da música romântica e no movimento em direção à música interiorizada do expressionismo.” (EKSTEINS, 1992)

Em fins do Século XIX, os artistas depunham contra a revolução industrial e o que ela trouxe: a mecanização da produção e o fim das atividades artísticas manuais. Na arquitetura o vazio que se produzia com a construção de prédios funcionais e o acréscimo de ornamentos de um ou outro estilo chegou ao limite, e a consciência do erro que se estavam produzindo começou a ser sentida. Os arquitetos começaram a testar novos materiais e a tentar criar uma estética nova utilizando o ferro e as estruturas de aço das estações de trem. Essa busca passou a se chamar Art Noveau que não se limitou a arquitetura mas à pintura também. O arquiteto Frank Lloyd Wright desenvolveu uma arquitetura orgânica que previa uma harmonia e um planejamento do interior de acordo com as necessidades dos proprietários e que essa harmonia passaria ao exterior sem a necessidade de adornos. O nascimento da escola Bauhaus na Alemanha segue esse princípio, o do funcionalismo. (GOMBRICH, 1999)

“[...] se algo é projetado rigorosamente para corresponder a sua finalidade e função, podemos deixar que a beleza apareça por si mesma.” (GOMBRICH, 1999)

É neste cenário turbulento que Nijinsky surge e se destaca por uma obra inovadora para sua época. Em sua trajetória recebeu influências de artistas de vanguarda, da vida que se modificava, de novas questões que surgiam no início do século XX, e do seu inconsciente, poderoso nas imagens que se desdobraram em criações artísticas e na cisão que acabou isolando-o da dança em uma vida intensa mas muito breve.

BIBLIOGRAFIA:

ACOCELLA, Joan (ed.). The diary of Vaslav Nijinsky: unexpurgated edition. New York: Farrar, Straus and Giroux, 1999.

ARNHEIM, Rudolf. Arte e percepção visual: uma psicologia da visão criadora. São Paulo: Piomeira, 1997.

ARRUDA, José Jobson. História Moderna e Contemporânea. São Paulo: Ática,1983.

BOURCIER, Paul. História da dança no Ocidente. São Paulo: Martins Fontes, 1987.

CAMINADA, Eliana. História da dança: evolução cultural. Rio de Janeiro: Sprint, 1999.

EKSTEINS, Modris. A Sagração da Primavera. Rio de Janeiro: Rocco,1992.

GOMBRICH, Ernst. A História da Arte. Rio de Janeiro: Livros Técnicos e Científicos, 1999.

LABAN, Rudolf. Domínio do movimento. São Paulo: Summu, 1978.

MAGRIEL, Paul David (ed.). Nijinsky, Pavlova, Duncan: three lives in dance. New York: Da Capo, 1977.

NIJINSKY, Romola. Nijinsky. São Paulo: José Olympio, 1948.

NIJINSKY, Vaslav. Cadernos: o sentimento. Rio de Janeiro: Francisco Alves, 1998.

OSTROWER, Fayga. Universos da Arte. Rio de Janeiro: Campus, 1983.

Paulo Freire II

Ainda sob a inspiração de Paulo Freire, gostaria de dividir (para quem ainda não conhece) uns links com material bem interessante:
Vídeo Paulo Freire Contemporâneo 
Instituto Paulo Freire 
Scientific Eletronic Library Online  - É um portal com revistas e artigos científicos completos em diversas áreas de conhecimento, inclusive Dança e Educação. É de lá uma carta de Paulo Freire que encontrei hoje. Para ler a carta clique aqui

Como vivo a dança

A dança trabalha o corpo e a vida, trabalha a vida através do corpo.

As imagens da vida, suas impressões, suas texturas, seus sons, seus cheiros,

tudo isso pode-se viver ao permitir que o corpo se mova e dance,

tudo isso pode-se viver ao presenciar um espetáculo de dança.

Boa noite Senhores! Este é um espetáculo de hip hop!

Com essa frase (extraída do texto do espetáculo), começo a dar corpo as imagens, reflexões e sensações despertadas pela Companhia Híbrida de Dança em seu trabalho “estéreos tipos” -vencedor do prêmio FADA e Klaus Viana da Secretaria Municipal de Cultura.

Em sua proposta artística o espetáculo foi capaz de tocar em muitas questões e despertar pensamentos na proposição de um fazer artístico. Não sei se o coreógrafo pensa e se angustia com todas as reflexões que me vieram durante o espetáculo, ou se  minhas indagações sobre o fazer artístico contemporâneo tem origem só em minhas inquietações. Com intenção ou não, seu trabalho me alcançou e me fez perceber uma nova forma de se construir artisticamente.

A primeira cena produz um estranhamento: um bailarino sentado em uma cadeira sob uma luz, faz movimentos lentos e pausados em silêncio, que podem remeter ao universo da cultura hip hop. A repetição se prolonga e o andamento começa a variar com um acréscimo de acentos na movimentação. Uma bailarina entra em cena e sua ação se resume a chupar um pirulito. As duas ações se desenrolam simultaneamente e se transformam numa deformação de movimentos e intenções. A cena provoca um deslocamento e uma apreensão pelo que virá.

No decorrer das cenas, surgem mais bailarinos que dançam, fazem um trabalho intenso de chão, acrobacias, tudo pertencente ao universo do hip hop. O texto presente no espetáculo, fala desta cultura, das suas características, preconceitos, e dos próprios bailarinos (suas vidas, e suas razões para aderirem a este estilo). O texto vai se mesclando, misturando frases, palavras, situações, construindo novos sentidos e novas relações (simbólicas ou não) que diverte o público.

O hip hop é um estilo de dança com características próprias. Nascida nas ruas, possui uma urbanidade que traz elementos da cultura pop. Possui uma movimentação forte, enérgica e uma postura desafiadora que vem das batalhas de rua. Por muito tempo descriminada e entendida como marginal, o estilo se desenvolveu, ganhou os palcos e os festivais de dança. Como uma dança que já tem uma história, um percurso e um estilo pode se reinventar? Como se desenvolver sem perder a sua essência?

Renato Cruz constrói um trabalho que dialoga com a dança contemporânea. Utilizando músicas variadas, trabalha na sua construção uma desconstrução de ritmo, forma e intenção. Pausa para nos fazer respirar ou nos fazer pensar sobre o que vemos. Caminha para um processo de hibridação, somando elementos da dança contemporânea, mas ainda é um espetáculo de hip hop.

O primeiro questionamento que me surgiu é quanto a esta reinvenção. É importante para o artista perceber as mudanças que acontecem na sociedade e responder a essas mudanças, sem cair no modismo? Qual a função da arte e do artista? É necessário evoluir nos questionamentos, aprofundá-los ou repeti-los? É preciso dosar as questões para se tornar legível e digerível? São questões para as quais não encontro respostas.

O caminho da arte e da criação é único para cada artista e compartilho a teoria de Jung (Psicologia Analítica) de participação – imposição, sugestão – do inconsciente neste processo; então entendo que as solicitações, angústias e questionamentos são diferentes e podem ser atemporais. O alcance do Inconsciente coletivo através dos arquétipos, podem provocar confluências de pensamento e ação na evolução da humanidade e do produção de conhecimento, neste caso não sendo modismo ou cópia.

As questões pessoais abordadas no texto do espetáculo, aproximam a obra do público, pois retira a aura de divinização do artista apresentando suas inquietações, dificuldades e dúvidas, característica da arte pós moderna, da crise do homem moderno e de sua subjetividade.

A cena final transborda esta questão: o texto descreve o estereótipo da pessoa que pertence a cultura do hip hop; o tipo de cabelo, o jeito de se vestir, a forma de andar e gesticular. O espetáculo, no entanto, vai além do modelo e padrão, quando os bailarinos desmontam o que os qualifica como grupo para deixar surgir os indivíduos, tirando a roupagem que caracteriza o estilo.

No final, no palco, ficam os figurinos com sua representatividade e os bailarinos com sua humanidade.

Boa noite, Senhores! Este foi também um espetáculo de hip hop!

Próximas apresentações: Arena Carioca Jovelina Pérola Negra, dias 17 à 25 de março, (sábados 20:00 e domingos 19:00); Centro de Artes da Maré, dia 30 de março às 20:00, Lona Cultural Hebert Vianna, dia 31 de março às 18:00. Em cada espaço, será ministrada uma oficina gratuita de dança, todos os sábados às 16h. Para saber mais clique aqui

Corpo e Movimento

"[...] a dança não celebra outro enigma que o do movimento no corpo. O corpo que dança não é um único corpo. É a multiplicidade de corpos: cada movimento inaugura novas formas no corpo, cada nova forma é já um novo corpo que surge. Se soldados fazem de cem corpos um só corpo, o bailarino faz de um corpo mais de mil." (Merleau-Ponty)